CINE: “JOHN WICK” Y LOS LÍMITES DE LA VENGANZA

Que buen afiche el de la película “John Wick”. Recurre a la “cabeza flotante” – quizás el menos imaginativo de los recursos gráficos para promover una película – explotando la imagen de su protagonista, pero incluye un ingenioso giro conceptual. Su corbata se convierte en una mecha encendida. Su cabezota es una bomba a punto de estallar. El juego de palabras de su nombre se materializa – “wick” quiere decir “mecha” en inglés -. El poster es más ingenioso que la película. Disfruté más de lo que esperaba la película de acción “John Wick”. Pueden leer mi reseña original en Confidencial.

Mecha corta: Keanu Reeves a punto de estallar como "John Wick"

Mecha corta: Keanu Reeves a punto de estallar como “John Wick”

Sin embargo, ahora contemplo lo límites de la experiencia. La película es un ejercicio meramente formal. Lo placeres que oculta está en la superficie: la fotografía durante la persecución del nightclub, el estoicismo de Keanu Reeves, algunas secuencias de acción…Más allá de eso, la narrativa es tremendamente básica. Denoto cierta honestidad en su disposición, no deja de preocuparme un poco pensar que hemos tocado el fondo del barril. Quizás ya sea hora de retirar el arquetipo del hombre de familia en busca de venganza.

Afiche original de "Death Wish" (El Vengador Anónimo).

Afiche original de “Death Wish” (El Vengador Anónimo).

Por mucho que los fanáticos de la acción crean que este tipo de héroe es propiedad exclusiva de ellos, el arquetipo es tan viejo como las cavernas. Y grandes figuras del “cine arte” han bebido de estas aguas. En “El Manantial de la Virgen” (1960), el gran director sueco Ingmar Bergman dramatiza una historia recogida por una balada medieval: dos bandidos violan y matan a una doncella a la vera de un río, y su padre, un honesto caballero, los busca y los mata. Suena como algo que haría Bronson, pero la diferencia está en el tono.

Tore ( Max von Sydow) recibe el cuerpo de su hija (Birgitta Petterson) en “El Manantial de la Virgen”

En “John Wick” y sus pares, la violencia es pura catarsis. La retribución es “cool”. Deja al espectador con la idea de que los buenos triunfan, y los malos reciben su merecido castigo. Pero “El Manantial de la Virgen” es una refutación a eso. Si bien el padre – interpretado por el brillante Max von Sydow – castiga los asesinos de su hija, el proceso no es gratificante, ni para él, ni para la audiencia. La violencia profundiza el trauma. La película completa esta disponible en línea, con subtítulos en inglés, aqui. La película está disponible en DVD en una excelente edición de la Colección Criterion.

Portada "The Virgin Spring", Colección Criterion

Portada “The Virgin Spring”, Colección Criterion

Supongo que el “padre vengador” nunca morirá. Es demasiado útil. Ofrece identificación automática, conexión emocional y objetivos claros. Funciona en cualquier época. Desde Russell Crowe como el gladiador Máximo – “I will have mi vengeance” – hasta Liam Neeson en “Taken” – que ya trae su tercera entrega; pasando por buena parte de los héroes de Marvel y DC Comics. Y ya viene el re-inventado “Mad Max”, que también va en ese camino. Nuestra sed de venganza jamás será aplacada.

DE HOMBRES Y MUJERES: POLANSKI Y “VENUS IN FURS”

Para muchos, el pozo del director polaco Roman Polanski quedó envenenado desde 1977, cuando huyó de Estados Unidos para no enfrentar cargos por la violación de una menor de edad. Afincado en Europa, el director de clásicos como “Chinatown” y … Sigue leyendo

MOISES SUPERESTRELLA: “ÉXODO: DIOSES Y REYES”

Ridley & Ripley: Scott y Sigourney Weaver, a años-luz de la diversión de "Alien".

Ridley & Ripley: Scott y Sigourney Weaver, a años-luz de la diversión de “Alien”.

Cada película cuenta dos historias: la de su trama, y la de la época que la concibe. En 1956, Cecil B. DeMille presentó una súper-producción que relataba con reverencia la historia de Moisés y el éxodo del pueblo hebreo hacia la tierra prometida. “Los 10 Mandamientos” ganó un Óscar por Mejores Efectos Especiales, y se convirtió en programación exigida para semana santa. Es puro kitsch piadoso, convertido por el paso del tiempo en artefacto de nostalgia. Nosotros veíamos una especie de catequismo glamouroso, pero el contexto era más complicado. El fascinante libro “An Army of Phantoms: American Movies and the Making of the Cold War”, del crítico de cine J. Hoberman, revela como la “épica bíblica” encaja en la política ultra-conservadora que regía a una industria abatida por el pánico anti-comunista. Huelga decir que DeMille, al igual que su estrella, Charlton Heston, estaban firmemente alineados con el McCarthysmo y la cacería de brujas que destruyó las carreras de innumerables profesionales del cine. Lea unas cuantas citas de DeMille. Es un milagro que el Tea Party no lo haya nombrado Santo Patrón. A la par de DeMille, otras figuras del conservatismo radical incluyen a Heston, John Wayne, el eventual presidente Ronald Reagan y – horror de horrores – Olivia de Havilland, la dulce Melanie de “Lo Que El Viento Se Llevó” (sólo por eso, de por vida quedo en el “Team Scarlett”).

Casi 6 décadas más tarde, llega una nueva versión fílmica de la historia bíblica. A pesar de los amagos de la Rusia de Vladimir Putin, la Guerra Fría es cosa del pasado. La globalización gobierna el planeta, imponiendo demandas inusitadas en Hollywood. Para empezar, no hay buenos directores ultra-conservadores en Estados Unidos. El agnóstico británico Ridley Scott es reclutado por su sentido del espectáculo. Los trucos ópticos y las maquetas ceden lugar a la animación digital. Otras cosas simplemente no cambian. Todavía necesitas a una estrella blanca para vender boletos. Christian Bale, mejor conocido por encarnar a Batman en la reciente trilogía de Christopher Nolan, asume la tarea de cargar la tablas de la ley de Dios. El australiano Joel Edgerton, es el faraón Ramsés.

La falacia de ver hombres blancos occidentales haciéndose pasar por egipcios y hebreos ya no pasa desapercibida. Egipto prohibió la proyección de la película, acusando sus “libertades históricas”. Scott respondió a las críticas asegurando que era poco probable que una producción de 140 millones de dólares recuperara el dinero con actores desconocidos en los papeles estelares. Bloquear el filme es un gesto político con poca tracción en la era del pirateo. Y Scott, a pesar de todo, tiene razón. Nadie va al cine en busca de “verdad histórica”. Los cristianos que acuden a “Éxodo” lo hace como un acto de fé que, incidentalmente, se cruza con el entretenimiento. Para buena parte de la base cristiana, audiencia meta de esta película, su interpretación de la Biblia ES la historia.

“Éxodo: Dioses y Reyes” es una experiencia anticuada y moderna a la vez. Es catecismo como cine-desastre, más convincente como película de acción que como narrativa bíblica. El director Scott, después del fracaso artístico de “Prometheus” (2012), dirige como contratado. Sólo se espabila en la recta final, cuando las plagas azotan a Egipto. El matiz “religioso” de la película, la idiosincracia de nuestro público y el celo comercial de los cines, se confabulan para que muchos padres de familia lleven a sus pequeños hijos a ver la película. Las semillas de una nueva generación de ateos está siendo plantada por la aterradora secuencia en que mueren todos los primogénitos de Egipcio. Si este “Éxodo…” tiene una agenda ideológica, es la de Mammon.

Lo más conmovedor tiene que ver con la vida real, y la esfera personal del director. El filme está dedicado a la memoria de su hermano menor, el director Tony Scott, quien falleciera quitándose la vida por su propia mano en el 2012. Es el primer crédito que aparece al final de la película.

Puede leer mi reseña de “ÉXODO: DIOSES Y REYES” en La Prensa.